Al Musée Matisse di Nizza, un dialogo tra due grandi interpreti della modernità. Dal 26 ottobre 2026 al 18 gennaio 2027
Cosa può accomunare Henri Matisse, uno dei protagonisti assoluti dell’arte del Novecento, e Alex Katz, artista americano nato a Brooklyn nel 1927 e ancora oggi considerato tra i più importanti interpreti della pittura figurativa contemporanea? Apparentemente, molto poco. Li separano quasi mezzo secolo, contesti culturali differenti e un linguaggio pittorico che sembra appartenere a universi distinti. Eppure, osservando le opere riunite al Musée Matisse di Nizza nella mostra Matisse – Alex Katz. Le silence de la peinture, emergono sorprendenti affinità, insieme a interessanti divergenze, che permettono di leggere il lavoro di entrambi sotto una luce nuova.
L’esposizione non è una retrospettiva, ma il risultato di un incontro tra Alex Katz e i cosiddetti «Matisse di Matisse»: le opere che il maestro aveva scelto di conservare presso di sé e che costituiscono oggi il nucleo più significativo della collezione del museo. Attorno a queste sono presentati 83 lavori di Katz, molti dei quali raramente esposti in Europa, dando vita a un percorso che attraversa temi, tecniche e motivi ricorrenti nella ricerca dei due artisti.
Il rapporto di Katz con Matisse risale al 1949, quando, ancora studente alla Cooper Union, visita alla galleria Pierre Matisse di New York una mostra dedicata alle opere più recenti del maestro francese. Ne rimane profondamente colpito, soprattutto per la capacità di rendere visibile il mondo concreto, la straordinaria sensibilità per la luce e la padronanza tecnica con cui riesce a organizzare gli elementi di una composizione.
Katz non ne offre però una lettura astratta, come avvenne per molti artisti americani del dopoguerra. Si appropria piuttosto liberamente del suo vocabolario plastico, assimilando l’essenzialità del segno, la forza del colore e la capacità di sintetizzare la realtà attraverso pochi elementi. Un’influenza che non si traduce mai in imitazione, ma diventa parte integrante di un linguaggio personale.
La materia delle cose: la luce e la natura
Uno dei primi aspetti che avvicinano i due artisti è il loro rapporto con la realtà sensibile. Entrambi partono da un’osservazione attenta del mondo, ma non sono interessati alla sua riproduzione fedele. La pittura diventa piuttosto uno strumento per restituire un’esperienza visiva, trasformando oggetti, forme e colori in una nuova unità compositiva.
Nelle nature morte di Matisse, elementi apparentemente indipendenti vengono riuniti dalla luce, che conferisce coerenza all’intera immagine. È una qualità che Katz ammira particolarmente: la sua serie Oranges del 1957 sembra quasi riprendere un dettaglio della Nature morte aux grenades dipinta da Matisse nel 1947. Anche nei suoi disegni a inchiostro e nei collage si ritrova questa attenzione alla forma essenziale degli oggetti e alle loro relazioni nello spazio.
Il mondo vegetale offre un ulteriore terreno d’incontro. Fiori, alberi e foglie diventano per entrambi occasioni per esplorare la libertà del gesto pittorico e le possibilità espressive della forma.
In Intérieur à l’harmonium, realizzato intorno al 1900, Matisse mostra già una notevole libertà compositiva: gli oggetti vengono tagliati dai margini della tela, la prospettiva è deformata e alcuni elementi floreali sembrano proiettarsi nello spazio. L’immagine appare come un frammento di una realtà più ampia, che potrebbe continuare oltre i confini del quadro. Una libertà che ritroveremo nei paesaggi e nelle composizioni floreali di Katz, soprattutto a partire dagli anni Ottanta.
I suoi dipinti di rose e gigli nascono da un’osservazione precisa, ma si sviluppano attraverso una progressiva liberazione del gesto. Un procedimento che ricorda il lavoro di Matisse sulle variazioni di uno stesso soggetto: la ripetizione non è mai una semplice riproduzione, ma un modo per esplorare nuove possibilità espressive.
Per Matisse, il contatto diretto con la natura rappresenta una fonte inesauribile di stimoli. Il disegno delle piante diventa quasi un processo di assimilazione delle loro forme e della loro struttura organica. Katz condivide questa fascinazione e attribuisce ai fiori un valore immediato, legato alla loro stessa presenza: sono un’espressione della vita, semplicemente perché esistono.
Anche nel paesaggio emergono importanti affinità. Matisse dipinge la Bretagna, la Corsica, Tolosa e, soprattutto, i paesaggi mediterranei intorno a Nizza. Katz concentra invece gran parte della propria produzione sul Maine, dove trascorre ogni estate fin dagli anni Cinquanta. Due territori molto diversi, affrontati però con una sensibilità vicina: nessuno dei due è interessato al paesaggio pittoresco o alla descrizione minuziosa di un luogo. Ciò che cercano è la sensazione che quel luogo produce, la luce, l’atmosfera, la densità della vegetazione e il rapporto tra le masse e lo spazio.
Il ritratto e il corpo: oltre la somiglianza
La figura umana costituisce un altro grande territorio di ricerca condiviso. Matisse e Katz rimangono entrambi profondamente legati alla figurazione, ma si allontanano da qualsiasi intento puramente mimetico. Il ritratto non è per loro un esercizio di somiglianza, né un’indagine psicologica sul soggetto: è soprattutto un’occasione per studiare la forma, la struttura del corpo e il suo rapporto con lo spazio.
Per Matisse, il corpo femminile diventa un terreno privilegiato di sperimentazione, attraverso disegni, dipinti e sculture. Durante il periodo nizzardo, tra il 1920 e il 1927, la modella Henriette Darricarrère assume un ruolo fondamentale. Danzatrice di formazione, non è soltanto un soggetto da rappresentare, ma una vera compagna di ricerca artistica. La sua flessibilità e il suo senso dell’equilibrio permettono a Matisse di esplorare le possibilità della linea, il ritmo delle posture e la costruzione dei volumi. Il corpo diventa così una sorta di architettura vivente, sulla quale la luce si posa e si distribuisce.
Anche Katz ha fatto della figura umana uno dei temi centrali della propria produzione. Familiari, amici, modelle e soprattutto la moglie Ada sono protagonisti di numerosi dipinti. I suoi ritratti, caratterizzati da campiture cromatiche uniformi, contorni netti e inquadrature ravvicinate, restituiscono un’immagine immediata, quasi fotografica, ma al tempo stesso fortemente costruita.
Il confronto diventa particolarmente evidente nel tema dell’odalisca. In Reclining Bather, Katz sceglie di rappresentare Ada in una posa che richiama immediatamente le donne distese di Matisse. Ma la sua interpretazione è decisamente distante dall’esotismo e dall’atmosfera ornamentale delle odalische matissiane: il costume da bagno giallo e le scarpe rosa sostituiscono i tessuti decorati e gli accessori orientaleggianti. La posa richiama la tradizione, ma il trattamento pittorico la trasporta in un contesto contemporaneo, con un’immediatezza che anticipa alcuni aspetti della sensibilità Pop.
È un confronto che mostra bene il metodo di Katz: partire da un soggetto profondamente legato alla storia della pittura per reinterpretarlo attraverso un linguaggio personale.
La danza e la libertà del frammento
La danza offre uno dei dialoghi più significativi dell’intera esposizione.
Per Matisse, il tema assume una dimensione monumentale con La Danse, realizzata tra il 1930 e il 1933 per la Barnes Foundation in Pennsylvania. È la sua prima grande opera destinata a uno spazio architettonico e rappresenta un momento decisivo nella ricerca sulla relazione tra pittura e ambiente.
Per realizzarla, Matisse utilizza numerosi fogli di carta dipinti a guazzo, che ritaglia e sposta continuamente fino a trovare la disposizione definitiva delle figure. Il risultato è una composizione dinamica, nella quale i corpi sembrano proseguire oltre i confini della superficie. Alcune figure vengono tagliate dai margini, altre appaiono incomplete: il movimento complessivo nasce proprio da questa frammentazione.
Alex Katz riprende questa intuizione nelle sue opere dedicate alla danza, un tema presente nella sua produzione fin dalla fine degli anni Cinquanta e sviluppato anche attraverso la collaborazione con il coreografo Paul Taylor, per il quale realizza scenografie e costumi.
Anche Katz costruisce le proprie composizioni attraverso immagini sovrapposte, studi preparatori e fotografie, accostando figure e dettagli senza preoccuparsi di mantenere una continuità anatomica. A differenza di Matisse, conserva però spesso una maggiore attenzione all’individualità dei danzatori.
Negli ultimi anni questa ricerca si è spinta ancora oltre, attraverso composizioni che riuniscono frammenti ripetuti di volti e corpi, tagliati e accostati in modo volutamente discontinuo. Una soluzione che richiama le grandi inquadrature ravvicinate di Matisse negli anni Quaranta e Cinquanta e, soprattutto, le sue celebri carte ritagliate, alle quali Katz guarda con particolare interesse.
Disegno, colore e superficie: la ricerca dell’essenziale
Un altro tema centrale del confronto riguarda il rapporto tra disegno e colore. Matisse affronta questa questione nel progetto per l’arazzo Nymphe dans la forêt (La Verdure), realizzato tra il 1935 e il 1942-43, nel quale la composizione nasce dal disegno e viene successivamente tradotta in pittura. Il maestro afferma che pittura e disegno sono, in fondo, la stessa cosa, ma non possono essere sovrapposti.
Una riflessione che trova una risposta interessante nella ricerca di Katz sulle superfici monocrome. Nella serie Road, dedicata alle strade in pendenza del Maine, l’artista americano utilizza un unico colore per sintetizzare l’intera esperienza visiva. La distinzione tra linea e campitura, tra disegno e colore, sembra dissolversi: tutto confluisce in una sola tonalità, capace di restituire una situazione complessa attraverso pochi gesti essenziali. Katz riconduce l’origine di questa ricerca a L’Atelier rouge di Matisse, opera che ha potuto osservare al MoMA di New York.
Tra il 1954 e il 1960, Katz sperimenta inoltre le possibilità offerte dalla tecnica delle carte dipinte e ritagliate, sviluppata da Matisse soprattutto nell’ultima fase della sua vita. Realizza piccoli collage con paesaggi del Maine, nature morte e scene con figure umane, utilizzando forme semplificate e superfici cromatiche essenziali.
Il debito nei confronti di Matisse è evidente, anche se esiste una differenza: i collage di Katz conservano spesso una componente narrativa più marcata, mentre il maestro francese privilegia soprattutto i rapporti tra forme e colori, senza attribuire particolare importanza alla narrazione.
Il percorso si conclude con una riflessione sulla capacità della pittura di trasformare lo spazio. È un aspetto fondamentale della ricerca di Matisse, che trova una delle sue massime espressioni nella Chapelle du Rosaire di Vence, concepita come un’opera d’arte totale, nella quale architettura, vetrate, ceramiche e decorazioni concorrono a creare un ambiente unitario. Questa attenzione alla superficie e alla forza autonoma del colore ritorna nella serie Black Roses del 2025 di Alex Katz. Le rose vengono trasformate in grandi silhouette monocromatiche, arancioni o nere, che occupano la superficie con una presenza quasi monumentale. Il riferimento alle carte ritagliate di Matisse è evidente, ma Katz porta la semplificazione verso una dimensione ancora più radicale, al confine tra pittura e disegno, figurazione e astrazione.
A proposito di queste opere, Katz osserva che una silhouette può sembrare piatta, ma in realtà palpita, è attraversata da energia e possiede una vitalità quasi primordiale. Una riflessione che potrebbe appartenere anche a Matisse: per entrambi, semplificare non significa impoverire, ma concentrare. Eliminare il superfluo permette alla forma di acquisire una presenza più intensa, mentre il colore diventa una forza autonoma, capace di agire direttamente sulla sensibilità di chi guarda.
Due artisti, una stessa fiducia nella pittura
Al termine del percorso, il titolo della mostra, Le silence de la peinture, acquista un significato particolare. Il silenzio evocato non è assenza di contenuto, ma una forma di essenzialità: la capacità della pittura di comunicare senza ricorrere alla narrazione o alla descrizione, affidandosi alla forza delle immagini, delle forme e dei colori.
Henri Matisse e Alex Katz appartengono a generazioni e contesti artistici differenti, ma condividono una fiducia assoluta nelle possibilità della pittura. Entrambi hanno difeso la figurazione in momenti storici in cui altre tendenze artistiche sembravano destinate a dominarne il panorama; entrambi hanno cercato una progressiva semplificazione del linguaggio senza rinunciare alla ricchezza dell’esperienza visiva.
Se Matisse ha aperto nuove strade attraverso la libertà del colore, la sintesi delle forme e la rivoluzione delle carte ritagliate, Katz ne ha raccolto alcune intuizioni traducendole in un linguaggio contemporaneo, influenzato dalla fotografia, dal cinema e dalla cultura visiva americana.
Matisse – Alex Katz. Le silence de la peinture riesce così a dimostrare come l’opera di un grande maestro possa continuare a generare nuove possibilità ben oltre il proprio tempo.
(Foto di Antonella Fava©)
Fonte: Radio Nizza – Francia24